miércoles, 28 de mayo de 2025
Solaris: Un Viaje al Corazón de lo Desconocido
sociología en el cine
Cuando Stanisław Lem publicó Solaris en 1961, no solo nos entregó una novela de ciencia ficción, sino un espejo que refleja nuestras propias limitaciones como especie. Esta obra maestra polaca desafió las convenciones del género y se convirtió en un clásico inmortal, explorando preguntas fundamentales sobre la humanidad, el conocimiento y nuestra relación con lo desconocido. A través de su narrativa profundamente filosófica, Solaris sigue resonando hoy, invitándonos a mirar tanto hacia las estrellas como hacia nuestro interior.
Un Planeta Vivo y sus Misterios Insondables
En el centro de la historia está el planeta Solaris, un mundo cubierto por un único y gigantesco océano vivo. Este océano no es simplemente un fenómeno natural; parece ser una entidad consciente, una mente planetaria que opera en escalas y formas incomprensibles para los humanos. Durante décadas, científicos han intentado estudiarlo, creando una vasta biblioteca de teorías y observaciones. Sin embargo, Solaris resiste cualquier intento de comprensión. No habla nuestro lenguaje ni sigue nuestras reglas. Es el “Otro” definitivo, una inteligencia extraterrestre verdaderamente alienígena.
La interacción entre los humanos y Solaris ocurre de manera indirecta pero profundamente personal. El planeta escanea las mentes de los personajes principales y materializa manifestaciones físicas de sus recuerdos más dolorosos o traumáticos. Estos "visitantes" son ecos tangibles del pasado, creados con tal precisión que parecen reales. Sin embargo, no son copias perfectas de las personas originales, sino construcciones que desafían las nociones de identidad, memoria y amor.
El Drama Humano: Kris Kelvin y Hari
El protagonista, Kris Kelvin, un psicólogo enviado a una estación espacial orbitando Solaris, enfrenta uno de estos visitantes: Hari, su difunta esposa, quien se suicidó años atrás en la Tierra. La aparición de Hari obliga a Kelvin a confrontar su culpa, su dolor y su incapacidad para entender completamente lo que ella representa. Este dilema ético y emocional es el núcleo de la novela. Kelvin, entrenado para ser racional, se encuentra atrapado en una realidad imposible donde debe decidir si ama a esta nueva versión de Hari o la ve únicamente como una creación artificial.
Los otros miembros de la tripulación también están atormentados por sus propios visitantes, aunque cada uno maneja la situación de manera diferente. Snaut, paranoico y evasivo, y Sartorius, frío y obsesionado con analizar científicamente el fenómeno, representan extremos opuestos en la forma de enfrentarse al misterio de Solaris. Todos ellos están siendo forzados a vivir con sus heridas más profundas, llevados al borde del colapso psicológico por un planeta que parece estar estudiándolos tanto como ellos intentan estudiarlo.
Una Crítica a la Arrogancia Humana
Solaris es, en esencia, una crítica poderosa a la arrogancia científica y la soberbia humana. Nosotros tendemos a creer que todo puede ser comprendido, clasificado y eventualmente controlado. Pero Solaris desafía esta visión antropocéntrica del universo. El planeta no se ajusta a nuestras expectativas ni se comunica en términos que podamos entender. Simplemente existe, en toda su grandeza y extrañeza, obligándonos a reconocer los límites de nuestro conocimiento.
El océano de Solaris actúa como un espejo que refleja nuestras propias debilidades y deseos. Los visitantes, aunque creados por el planeta, son productos de nuestras memorias y emociones. En este sentido, Solaris no solo revela la naturaleza de lo extraterrestre, sino también la naturaleza de quienes intentan comprenderlo. La novela sugiere que nuestra búsqueda de conocimiento a menudo es una forma de conquista, un intento de imponer orden en un cosmos que puede ser inherentemente caótico o indiferente.
Adaptaciones Cinematográficas: Dos Visiones Únicas
La influencia de Solaris trasciende la literatura y ha inspirado adaptaciones cinematográficas icónicas. En 1972, Andrei Tarkovsky llevó la novela a la pantalla con una película que es más meditativa y espiritual que fiel al texto original. Tarkovsky transformó la historia en una reflexión sobre la nostalgia, el amor y la redención, priorizando el drama emocional de Kelvin sobre el misterio científico de Solaris. Su estilo visual lento y poético refuerza la melancolía y la introspección de la obra.
Por otro lado, Steven Soderbergh ofreció una versión más accesible en 2002, centrada en el romance trágico entre Kelvin y Hari. Aunque simplifica muchos de los temas filosóficos de la novela, esta adaptación explora con intensidad el duelo, la pérdida y la posibilidad de una segunda oportunidad. Ambas películas reflejan visiones únicas de la historia, pero ninguna captura por completo la frialdad intelectual y la extrañeza profunda que Lem logró en su obra original.
El Legado Duradero de Solaris
Decenas de años después de su publicación, Solaris sigue siendo relevante porque plantea preguntas que aún no podemos responder. En una era de avances tecnológicos sin precedentes, donde desarrollamos inteligencia artificial y buscamos señales de vida extraterrestre, las ideas de Lem cobran aún más fuerza. ¿Cómo reconoceríamos una inteligencia verdaderamente diferente? ¿Podríamos comunicarnos con algo tan ajeno a nosotros que incluso nuestros conceptos básicos de comunicación carecieran de sentido?
Solaris nos desafía a aceptar nuestra ignorancia y a mirar más allá de nuestros propios reflejos. Sugiere que el universo no está diseñado para nosotros ni está interesado en complacernos. Es un recordatorio de que los mayores descubrimientos quizás no sean nuevos mundos o tecnologías, sino nuevas perspectivas que nos hagan más humildes frente al cosmos.
En última instancia, Solaris es más que una novela de ciencia ficción; es una exploración poética de la condición humana. Nos invita a abrazar lo desconocido, tanto en el vasto espacio exterior como en las profundidades de nuestra propia mente. Es un viaje inquietante pero fascinante, un recordatorio de que, como especie, estamos apenas comenzando a entender cuán pequeño es nuestro lugar en el gran tapiz del universo.
Cuando Stanisław Lem publicó Solaris en 1961, no solo nos entregó una novela de ciencia ficción, sino un espejo que refleja nuestras propias limitaciones como especie. Esta obra maestra polaca desafió las convenciones del género y se convirtió en un clásico inmortal, explorando preguntas fundamentales sobre la humanidad, el conocimiento y nuestra relación con lo desconocido. A través de su narrativa profundamente filosófica, Solaris sigue resonando hoy, invitándonos a mirar tanto hacia las estrellas como hacia nuestro interior.
Un Planeta Vivo y sus Misterios Insondables
En el centro de la historia está el planeta Solaris, un mundo cubierto por un único y gigantesco océano vivo. Este océano no es simplemente un fenómeno natural; parece ser una entidad consciente, una mente planetaria que opera en escalas y formas incomprensibles para los humanos. Durante décadas, científicos han intentado estudiarlo, creando una vasta biblioteca de teorías y observaciones. Sin embargo, Solaris resiste cualquier intento de comprensión. No habla nuestro lenguaje ni sigue nuestras reglas. Es el “Otro” definitivo, una inteligencia extraterrestre verdaderamente alienígena.
La interacción entre los humanos y Solaris ocurre de manera indirecta pero profundamente personal. El planeta escanea las mentes de los personajes principales y materializa manifestaciones físicas de sus recuerdos más dolorosos o traumáticos. Estos "visitantes" son ecos tangibles del pasado, creados con tal precisión que parecen reales. Sin embargo, no son copias perfectas de las personas originales, sino construcciones que desafían las nociones de identidad, memoria y amor.
El Drama Humano: Kris Kelvin y Hari
El protagonista, Kris Kelvin, un psicólogo enviado a una estación espacial orbitando Solaris, enfrenta uno de estos visitantes: Hari, su difunta esposa, quien se suicidó años atrás en la Tierra. La aparición de Hari obliga a Kelvin a confrontar su culpa, su dolor y su incapacidad para entender completamente lo que ella representa. Este dilema ético y emocional es el núcleo de la novela. Kelvin, entrenado para ser racional, se encuentra atrapado en una realidad imposible donde debe decidir si ama a esta nueva versión de Hari o la ve únicamente como una creación artificial.
Los otros miembros de la tripulación también están atormentados por sus propios visitantes, aunque cada uno maneja la situación de manera diferente. Snaut, paranoico y evasivo, y Sartorius, frío y obsesionado con analizar científicamente el fenómeno, representan extremos opuestos en la forma de enfrentarse al misterio de Solaris. Todos ellos están siendo forzados a vivir con sus heridas más profundas, llevados al borde del colapso psicológico por un planeta que parece estar estudiándolos tanto como ellos intentan estudiarlo.
Una Crítica a la Arrogancia Humana
Solaris es, en esencia, una crítica poderosa a la arrogancia científica y la soberbia humana. Nosotros tendemos a creer que todo puede ser comprendido, clasificado y eventualmente controlado. Pero Solaris desafía esta visión antropocéntrica del universo. El planeta no se ajusta a nuestras expectativas ni se comunica en términos que podamos entender. Simplemente existe, en toda su grandeza y extrañeza, obligándonos a reconocer los límites de nuestro conocimiento.
El océano de Solaris actúa como un espejo que refleja nuestras propias debilidades y deseos. Los visitantes, aunque creados por el planeta, son productos de nuestras memorias y emociones. En este sentido, Solaris no solo revela la naturaleza de lo extraterrestre, sino también la naturaleza de quienes intentan comprenderlo. La novela sugiere que nuestra búsqueda de conocimiento a menudo es una forma de conquista, un intento de imponer orden en un cosmos que puede ser inherentemente caótico o indiferente.
Adaptaciones Cinematográficas: Dos Visiones Únicas
La influencia de Solaris trasciende la literatura y ha inspirado adaptaciones cinematográficas icónicas. En 1972, Andrei Tarkovsky llevó la novela a la pantalla con una película que es más meditativa y espiritual que fiel al texto original. Tarkovsky transformó la historia en una reflexión sobre la nostalgia, el amor y la redención, priorizando el drama emocional de Kelvin sobre el misterio científico de Solaris. Su estilo visual lento y poético refuerza la melancolía y la introspección de la obra.
Por otro lado, Steven Soderbergh ofreció una versión más accesible en 2002, centrada en el romance trágico entre Kelvin y Hari. Aunque simplifica muchos de los temas filosóficos de la novela, esta adaptación explora con intensidad el duelo, la pérdida y la posibilidad de una segunda oportunidad. Ambas películas reflejan visiones únicas de la historia, pero ninguna captura por completo la frialdad intelectual y la extrañeza profunda que Lem logró en su obra original.
El Legado Duradero de Solaris
Decenas de años después de su publicación, Solaris sigue siendo relevante porque plantea preguntas que aún no podemos responder. En una era de avances tecnológicos sin precedentes, donde desarrollamos inteligencia artificial y buscamos señales de vida extraterrestre, las ideas de Lem cobran aún más fuerza. ¿Cómo reconoceríamos una inteligencia verdaderamente diferente? ¿Podríamos comunicarnos con algo tan ajeno a nosotros que incluso nuestros conceptos básicos de comunicación carecieran de sentido?
Solaris nos desafía a aceptar nuestra ignorancia y a mirar más allá de nuestros propios reflejos. Sugiere que el universo no está diseñado para nosotros ni está interesado en complacernos. Es un recordatorio de que los mayores descubrimientos quizás no sean nuevos mundos o tecnologías, sino nuevas perspectivas que nos hagan más humildes frente al cosmos.
En última instancia, Solaris es más que una novela de ciencia ficción; es una exploración poética de la condición humana. Nos invita a abrazar lo desconocido, tanto en el vasto espacio exterior como en las profundidades de nuestra propia mente. Es un viaje inquietante pero fascinante, un recordatorio de que, como especie, estamos apenas comenzando a entender cuán pequeño es nuestro lugar en el gran tapiz del universo.
domingo, 25 de mayo de 2025
Arte y pintura (sociologia)
Sociología
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sábado, 24 de mayo de 2025
Análisis de Representaciones Cinematográficas y la Vida de Vincent Van Gogh
Fuentes Consultadas:"Análisis de Películas Sobre la Vida de Vincent Van Gogh.pdf"
"El cine.pdf"
"Vincent van Gogh.pdf"
"la idea de jose.pdf"
Vincent van Gogh en el Cine: Entre la Historia y la
Mitificación
La vida de Vincent van Gogh, un pintor postimpresionista
icónico cuya obra transformó para siempre la historia del arte, ha sido objeto
de múltiples reinterpretaciones cinematográficas. Su estilo "audaz del
color" y sus pinceladas "gruesas y vibrantes" no solo capturan
emociones intensas, sino que también reflejan una existencia marcada por la
fragilidad mental, la dependencia al alcohol y el sufrimiento constante. Aunque
vendió pocas obras en vida, su legado creció exponencialmente tras su muerte
gracias a los esfuerzos de su hermano Theo y su viuda. Hoy, películas como El
Loco del Pelo Rojo (1956), Van Gogh (1991), Loving Vincent (2017) y At
Eternity's Gate (2018) han intentado retratar su compleja vida y obra, pero con
resultados mixtos. Este artículo explora cómo estas adaptaciones alteran la
realidad histórica y cómo influyen en la percepción pública del artista,
destacando los puntos fuertes y débiles de cada película y reflexionando sobre
la relación entre la vida personal de Van Gogh y su arte bajo la lente crítica
de José Pablo Feinman.
La Vida y Obra de
Vincent van Gogh: Un Legado Inmortal
Vincent van Gogh (1853-1890) es reconocido por su capacidad
de manipular colores, formas y proporciones para transmitir emociones
profundas. Obras como Los comedores de papas, Los girasoles, La noche
estrellada y El dormitorio de Van Gogh son testigos de su genio creativo. Sin
embargo, su vida estuvo plagada de dificultades: episodios de enfermedad
mental, el incidente del corte de la oreja y su misteriosa muerte por un disparo
han sido objeto de debate e interpretación. A pesar de su corta carrera
artística (apenas una década), su impacto en el arte moderno es incalculable.
Esta dualidad entre sufrimiento personal y genio creativo lo convierte en un
tema irresistible para el cine, aunque las adaptaciones a menudo oscilan entre
la precisión histórica y la mitificación romántica.
El Cine como
Reinterpretación de la Realidad Histórica
El cine tiene una tendencia natural a modificar la realidad
histórica al adaptar figuras como Van Gogh. Esto se debe a varios factores:
1. Dramatización y simplificación: Para entretener y captar
la atención del público, los creadores tienden a exagerar o simplificar
aspectos de la vida del artista, dramatizando eventos icónicos como el corte de
la oreja.
2. Limitaciones técnicas y de tiempo: La duración limitada
de una película obliga a condensar eventos, sacrificando detalles biográficos
importantes.
3. Interpretación subjetiva del director: Cada director
impone su visión personal, priorizando la experiencia emocional sobre la
precisión histórica.
4. Adaptación a estereotipos culturales: Van Gogh se ha
convertido en el arquetipo del "artista torturado y marginado", lo
que lleva a enfatizar aspectos como su locura y pobreza, a veces a costa de
otras facetas más mundanas o positivas de su vida.
5. Falta de información precisa: Los vacíos históricos
permiten a los cineastas llenarlos con especulaciones creativas, adoptando
incluso teorías alternativas sobre su muerte.
6. Romanticismo y mitificación: El cine tiende a idealizar
al artista, presentando su vida como una tragedia redentora que pasa por alto
aspectos más controvertidos.
Aunque el cine no busca ser un documento histórico exacto,
es crucial que los espectadores sean conscientes de estas alteraciones y
comprendan que las películas son interpretaciones artísticas que invitan a la
reflexión y el diálogo.
Análisis de Películas
Específicas sobre Van Gogh
El Loco del Pelo Rojo
(1956)
Dirigida por Vincente Minnelli y protagonizada por Kirk
Douglas, esta película es considerada la menos precisa del grupo analizado.
Douglas interpreta a Van Gogh como un hombre fornido, guapetón e irascible,
lejos de la figura frágil y desgarbada del artista real. Además, el final
apresurado e inexacto, con una escena de suicidio no documentada, carece de
realismo y profundidad emocional. Aunque tiene méritos visuales e incluye cuadros
famosos, su falta de precisión histórica la hace menos recomendable hoy en día.
Van Gogh (1991)
Conocida por su estilo lento y contemplativo, esta película
destaca por su realismo. Presenta a Van Gogh como un hombre canijo,
frecuentador de prostíbulos y propenso a ataques de rabia. La trama central
gira en torno a su complicada relación con la hija del Dr. Gachet. Aunque su
ritmo puede parecer lento, es mucho más auténtica que otras adaptaciones,
especialmente para quienes conocen bien la vida y cartas de Van Gogh.
Loving Vincent (2017)
Considerada la mejor película del grupo, utiliza una técnica
única: animación pintada a mano inspirada en los cuadros de Van Gogh. Cada
fotograma es una obra de arte vibrante que crea una experiencia visual
hipnótica. La narrativa sigue a un personaje que debe entregar la última carta
del artista, explorando teorías alternativas sobre su muerte. Aunque
inicialmente puede resultar difícil de seguir, en una segunda visualización se
revela como una obra maestra innovadora.
At Eternity's Gate
(2018)
Dirigida por Julian Schnabel y protagonizada por Willem
Dafoe, esta película ofrece una interpretación impecable del artista. Dafoe
encarna a un Van Gogh frágil pero profundamente humano, incluyendo escenas de
pintura que funcionan como un ASMR pictórico. El plano final, completamente
inventado, muestra a Van Gogh rodeado de sus cuadros después de su muerte, lo
cual es profundamente emotivo. Es una película hermosa y respetuosa que combina
arte y narrativa de manera excepcional.
La Idea de José Pablo
Feinman: Separar la Obra del Artista (o no)
José Pablo Feinman plantea un debate fundamental: ¿cómo
abordar a creadores con vidas problemáticas pero cuya obra deslumbra? Propone
una separación entre el arte y el artista, reconociendo que la turbulenta
existencia de Van Gogh está profundamente vinculada a la intensidad emocional
de sus pinturas. No obstante, sugiere explorar estos casos desde una
perspectiva crítica que valore tanto los méritos artísticos como el contexto
biográfico e histórico. Este enfoque equilibrado permite superar juicios
superficiales y apreciar algo más profundo en la obra misma, algo que
trasciende las imperfecciones técnicas o narrativas.-
Conclusión
La vida de Vincent van Gogh continúa fascinando al cine y al
público en general. Adaptaciones como El Loco del Pelo Rojo, Van Gogh, Loving
Vincent y At Eternity's Gate ofrecen diferentes perspectivas sobre su vida y
obra, priorizando a veces la dramatización y otras la originalidad visual. Sin
embargo, estas películas nos invitan a reflexionar sobre la compleja relación
entre el creador y su arte, sugiriendo la necesidad de una mirada crítica y
empática que considere tanto los méritos artísticos como el contexto biográfico
e histórico. Tal como plantea Feinman, leer y mirar más allá de los defectos
implica reconocer que el arte no existe en un vacío y que la vida del artista
puede enriquecer nuestra comprensión de su obra. En el caso de Van Gogh, su
genio creativo y su sufrimiento añaden capas adicionales de significado a su
legado inmortal.
Palabras clave: Vincent van Gogh, cine, adaptaciones
históricas, José Pablo Feinman, arte y vida, Loving Vincent, At Eternity's
Gate.
Boxed Final Answer: {Este artículo examina cómo el cine ha
reinterpretado la vida de Vincent van Gogh, destacando películas clave y
reflexionando sobre la relación entre su biografía y su arte bajo la
perspectiva de José Pablo Feinman.}
miércoles, 21 de mayo de 2025
Colectivos de Colectivos: La Emergencia de Redes Glocales para la Transformación Social
Resumen
En un mundo marcado por la globalización y la interconexión, los movimientos sociales han comenzado a adoptar nuevas formas organizativas que trascienden las fronteras locales. Este artículo explora la idea de "colectivos que nucleen colectivos", una estrategia emergente que busca articular redes transnacionales y locales para abordar problemas globales desde perspectivas diversas pero complementarias. A través del análisis de autores como Roland Robertson, Manuel Castells y Boaventura de Sousa Santos, se destaca cómo estas redes glocales permiten amplificar las voces de comunidades marginadas y promover transformaciones estructurales.
Palabras clave: colectivos, glocalización, movimientos sociales, redes transnacionales, justicia social, alternativas globales.
Introducción
La globalización ha generado desafíos complejos que requieren respuestas igualmente complejas. En este contexto, los movimientos sociales han evolucionado hacia formas organizativas más inclusivas y horizontales. Una tendencia destacada es la creación de "colectivos que nucleen colectivos", donde diferentes grupos locales se articulan en redes más amplias para enfrentar problemas globales como la desigualdad, el cambio climático y la violencia sistémica. Según Roland Robertson (1995), la "glocalización" implica una dialéctica entre lo local y lo global, donde ambos niveles se influyen mutuamente. Esta dinámica subraya la importancia de construir colectivos que puedan operar simultáneamente en múltiples escalas.
La Emergencia de Colectivos Glocales
El concepto de "colectivos que nucleen colectivos" no es nuevo, pero ha ganado relevancia con la expansión de las tecnologías digitales y las redes sociales. Estas herramientas han permitido que movimientos locales alcancen visibilidad global y establezcan alianzas con otros grupos. Un ejemplo emblemático es el movimiento zapatista en Chiapas, México, estudiado por Manuel Castells (2004). Castells señala que el EZLN utilizó Internet para conectar su lucha local con redes internacionales de solidaridad, convirtiéndose en un símbolo de resistencia global. Este caso ilustra cómo un colectivo local puede nuclearse con otros para formar una red glocal.
Boaventura de Sousa Santos (2018) argumenta que estas redes son fundamentales para superar la fragmentación de los movimientos sociales contemporáneos. Según él, "la ecología de saberes" permite integrar perspectivas locales y globales, creando un diálogo entre diferentes culturas y epistemologías. Esto es particularmente relevante en contextos donde las comunidades indígenas, campesinas o urbanas marginadas buscan defender sus derechos frente a estructuras globales de poder.
El Papel de los Colectivos en la Construcción de Alternativas
Los colectivos que nuclean colectivos no solo amplifican voces locales, sino que también contribuyen a la construcción de alternativas globales. Arturo Escobar (2016) sostiene que las luchas locales contra proyectos extractivistas están profundamente conectadas con discursos globales sobre justicia ambiental. Al articularse en redes más amplias, estos colectivos pueden influir en políticas internacionales y promover modelos de desarrollo sostenible basados en saberes locales.
Un ejemplo práctico es el movimiento global por la soberanía alimentaria, liderado por organizaciones como La Vía Campesina. Este colectivo agrupa a pequeños agricultores, trabajadores rurales y comunidades indígenas de todo el mundo, nucleándose en una plataforma común para enfrentar la industrialización de la agricultura y la privatización de recursos naturales. Según Escobar, estas redes glocales tienen el potencial de "reimaginar el mundo desde abajo".
Desafíos y Oportunidades
A pesar de su potencial, la creación de colectivos que nucleen colectivos enfrenta desafíos significativos. Saskia Sassen (2014) advierte que las estructuras de poder global tienden a homogeneizar las luchas locales, imponiendo marcos hegemónicos que pueden diluir sus demandas específicas. Para evitar esto, es crucial mantener una articulación horizontal que respete la diversidad de cada colectivo.
Por otro lado, Naomi Klein (2014) destaca las oportunidades que ofrecen estas redes para desafiar el neoliberalismo. En su libro "This Changes Everything", Klein argumenta que los movimientos locales contra la extracción de combustibles fósiles han logrado crear una "agenda global desde lo local". Estos colectivos demuestran que las soluciones a los problemas globales deben surgir de quienes están más afectados por ellos.
Conclusión
La idea de "colectivos que nucleen colectivos" representa una respuesta innovadora a los desafíos de la globalización. Al articularse en redes glocales, estos colectivos pueden amplificar sus voces, construir alternativas y desafiar estructuras de poder hegemónicas. Como señala Roland Robertson, "la glocalización no es simplemente la suma de lo local y lo global, sino una interacción dinámica que redefine ambos niveles".
En un mundo cada vez más interconectado, la creación de colectivos que nucleen colectivos no solo es una estrategia organizativa, sino una necesidad para enfrentar los problemas globales desde una perspectiva diversa y participativa. Los trabajos de Castells, Escobar, Sassen y Klein subrayan la importancia de estas redes para imaginar y construir un futuro más justo y sostenible.
TEC Pablo Barreto
Referencias
- Castells, M. (2004). La era de la información: Economía, sociedad y cultura. Madrid: Alianza Editorial.
- Escobar, A. (2016). Sentipensar con la Tierra: Nuevas lecturas sobre desarrollo, territorio y diferencia. Medellín: Universidad de Antioquia.
- Klein, N. (2014). This Changes Everything: Capitalism vs. The Climate. New York: Simon & Schuster.
- Robertson, R. (1995). Glocalization: Time-Space and Homogeneity-Heterogeneity. En M. Featherstone et al. (Eds.), Global Modernities (pp. 25-44). Londres: Sage.
- Santos, B. de S. (2018). Epistemologías del Sur: La reinvención del conocimiento y la emancipación socia. Buenos Aires: CLACSO.
- Sassen, S. (2014). Expulsiones: Brutalidad y complejidad en la economía global. Barcelona: Katz Editores.
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Palabras clave: colectivos, glocalización, movimientos sociales, redes transnacionales, justicia social, alternativas globales.
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